Petites grans obres australianes
Si per alguna cosa és coneguda Austràlia és pel seu bon clima, les platges i el surf. Els que tinguin algun interès en l’arquitectura, hauran sentit a parlar de l'Opera House de John Utzon i d’en Glenn Murcutt i en Sean Godsell; aquests dos últims segurament gràcies a premis com el Pritzker i a publicacions com el Croquis.
Sense entrar a jutjar el tipus d’arquitectura que acaba sent coneguda per la gran majoria, cal reconèixer que el grau de sensibilitat perceptiva està a l’alçada de fer-se una imatge de l’arquitectura catalana amb Antoni Gaudí i RCR.
La intenció d’aquest breu article és atraure la mirada cap a una selecció de cinc obres que des d’un punt de vista professional poden contribuir a redefinir la imatge que es pot tenir a Catalunya i Europa en general sobre l’arquitectura australiana. Des del punt de vista personal, algunes d’aquestes obres han inspirat els meus projectes i la meva forma de veure l’arquitectura durant els últims anys.
Abans de començar crec que cal fer una petita introducció:
Tots els projectes són cases unifamiliars i amb excepció de la “D House”, la resta de cases són obres en les que el mateix arquitecte era el client. Aquest últim punt és important ja que és rellevant veure com a l’eliminar la figura del client extern, el resultat es un llenguatge arquitectònic més pur.
Finalment, les descripcions dels projectes són intencionadament breus ja que es tracta de que aquestes obres es llegeixin amb la mirada a través de les fotografies. Seria fàcil escriure en detall sobre la visió personal de cada projecte però es tracta que la mirada curiosa revisi les fotografies de les cases -que han estat àmpliament publicades-, es poden revisar les obres en diferents temps i es poden treure les conclusions pròpies jutjant a cada moment i trobant noves relacions i detalls que esperen a ser revelats a l’interès de cadascú.
The Jack House_Russell Jack, 1957
Es difícil explicar perquè aquesta casa forma part de la llista però es una obra que brilla per la seva simplicitat i immersió en el context quasi sense cap esforç aparent. Els espais estan formats bàsicament per una o dues parets amb vidres, fusteria fosca i una coberta plana. Tot i així, precisament aquesta simplicitat neta i lleugera és el que fa d’aquesta obra una peça tan atractiva.
The Buhrich House_Hugh Buhrich, 1972
Situada davant del mar, aquesta casa no necessita cap obra d’art afegida; l’arquitectura en si és una obra d’art en la que s’hi viu. Per a entendre aquesta definició només cal veure la paret decorativa flotant emmarcada per la vegetació exterior i la curvatura interior del sostre. La selecció de materials càlids de la casa, la utilització del vidre i la composició amb els diferents nivells del paviment de pedra fosca aconsegueixen una relació de continuïtat subtil entre interior i exterior de la casa sense caure en la clara evidència que podem trobar per exemple en les obres d’en Mies.
D House_Donovan Hill, 2000
Casa de baix pressupost, obra mestre que conté els fonaments de disseny que podrien resumir moltes de les obres no només australianes sinó japoneses també.
Amb un gran us de la separació subtil de les activitats i espais a base de pòrtics físics i visuals, textures, límits fixes i mòbils, vegetació… Aquesta obra és un conveni d’estratègies de matisació i continuïtat espacial des de l’escala urbana fins als rituals mes personals que succeeixen en una casa. Obra de gran densitat, mereix un estudi a fons de les fotografies que contenen molta informació que si es processa amb temps i paciència, té molt per a mostrar.
Messy House_Angelo Candalepas, 2007
Aquesta és una obra que conté molts dels principis arquitectònics d’aquest arquitecte d’espais senzills i façanes profundes i de relacions espacials i lumíniques complexes. Amb gran semblança a un petit temple japonès alhora que senzillament integrada en un veïnat de residències tradicionals dels suburbis de Sydney, aquesta casa de disseny fins a l’últim detall, ofereix moltes estratègies per a un gran control de la llum natural alhora que, com en la majoria de les seves obres, aquesta es converteix en la protagonista dels espais d’aquest escultor de la llum.
Tir na n’Og_Drew Heath, 2013
Finalment una casa que tot i que no arriba al nivell arquitectònic de les anteriors, no deixa de ser un cas representatiu d’una visió australiana del clima una mica diferent a la resta. Els dormitoris d’aquest projecte estan separats de la zona mitjançant un pati cobert però obert, de la mateixa manera que algun dels lavabos també oberts, estan exposats al clima exterior. Es tracta d’una mostra de com el clima australià pot arribar a permetre una vida oberta cap a l’exterior que permet una relació mes directa amb la vegetació i l’entorn. L’origen d’aquest concepte es pot trobar a la vida dels aborígens d’aquest país en el que durant els últims 60,000 anys van viure majoritàriament de manera nòmada sota cobert en espais oberts. Ha estat només en els últims 200 anys que aquest costum ha canviat degut a la nostra influència occidental.
Victor Olivar Acami, arquitecte. Corresponsal del COAC a Sidney.
Desembre 2019
Disseny Transdisciplinari a Suècia
Un dels aspectes més destacats de l'exercici de la professió d'arquitecte a l'estranger, és constatar que el marc legal, l'àmbit d'actuació i les expectatives respecte al que la nostra professió pot i ha d'aportar en el desenvolupament d'un projecte, son significativament diferents depenent del país en el que ens trobem.
En el cas de Suècia, per pertànyer a l’Associació d’Arquitectes Suecs (Sveriges Arkitekter) es requereix, òbviament, la titulació Universitària corresponent. També una experiència professional contrastada, mínima de dos anys en el desenvolupament de projectes arquitectònics. Malgrat això, a Suècia, la figura de l’arquitecte no esta protegida i no es requereix titulació específica per a constar como autor d’un projecte arquitectònic. La nostra professió no esta doncs regulada de la mateixa manera que ho esta a Catalunya. Aquest fet té implicacions tant a nivell educatiu com en el procés de disseny de projecte.
Pel que fa a la fase de disseny, potser la diferència més gran està en el fet que els arquitectes participen relativament poc en la definició tècnica del projecte, i que l'aportació de les diferents disciplines que participen del disseny és seqüencial: generalment els arquitectes s'encarreguen dels estudis previs, de la definició programàtica i dels projectes en fase de Bàsic, mentre que els enginyers desenvolupen el projecte executiu i de construcció. Els arquitectes tampoc no tenen responsabilitat legal equiparable a la fase d’obra, ja que no han de certificar la correcta execució en aspectes tant importants como l’estructura, les instal·lacions o la definició constructiva. Tampoc tenen responsabilitats en la gestió econòmica mitjançant les certificacions d’obra. No hi ha doncs solució de continuïtat en la participació de l’arquitecte al llarg del procés, pel contrari, la responsabilitat en cada una de les fases, recau en una figura diferent i si ho fa, es en la figura d’un “project manager”, que en general prové d’altres disciplines.
En conseqüència és molt habitual una manca d’integració i articulació adequades dels requeriments i els objectius de les diferents parts del projecte. Per part dels enginyers es considera que els arquitectes no han inclòs aspectes tècnics de gran transcendència en fase de concepció de projecte i a la vegada els arquitectes consideren que el desenvolupament en fases posteriors del seu projecte desvirtua gran part de les intencions d’aquest.
Recentment, la Universitat Tecnològica de Chalmers, a Göteborg, ha decidit fusionar dues de les seves principals Institucions. D'una banda, l'Escola Tècnica Superior de Construcció i Enginyeria Ambiental que albergava els Departaments d'Enginyeria Estructural, Geotècnia, Tecnologia de l'edificació, Direcció d'Obres, i Instal·lacions i Acústica. I d'altra banda, l'Escola d'Arquitectura (una de les quatre del país) i que al seu torn albergava exclusivament els Departaments d'Edificació, Teoria i Mètode i Urbanisme. D'aquesta fusió ha sorgit la nova Escola Tècnica Superior d'Arquitectura i Enginyeria Civil que aglutina tots els departaments citats. Aquest canvi és molt significatiu perquè fomenta i impulsa en fase educativa la interacció entre disciplines. De fet representa un canvi radical de model que el que proposa no es tant canviar el perfil professional de les respectives parts, però si establir una dinàmica de col·laboració interprofessional que tingui conseqüències des de les primeres fases de disseny i que en derivi en resultats més holístics i transdisciplinaris.
Joaquim Tarrasó, arquitecte, corresponsal del COAC a Göteborg, Suècia
Transformación de las cubiertas del Maashaven silo, Rotterdam. Premio europeo LIFE @ UrbanRoofs
De Maassilotop es el nombre del proyecto ganador del concurso para la transformación de las cubiertas del Maashaven silo, edificio emblemático situado en el histórico muelle Maashaven del puerto de Rotterdam. La propuesta se basa en la creación de un espacio multifuncional que permite al edificio abrirse a un público más amplio y social. El proyecto presentado por el arquitecto mallorquín Joan Alomar (JA arquitectura) en el concurso de ideas organizado por el ayuntamiento en 2017, fue galardonado con el premio europeo Life @ urbanRoofs que destaca la sostenibilidad de toda la propuesta. El Maashaven silo se construyó en 1910 en el Maashaven, puerto de Rotterdam. Un impresionante edificio de hormigón que contenía uno de los silos de cereales más grandes de Europa. El primer edificio diseñado por el arquitecto Stok fue ampliado posteriormente por los arquitectos de renombre Brinkman & de Vlugt (1930) y Postma (1955). Este edificio industrial fue diseñado como una gran máquina; donde el grano llegaba transportado en barco, tren o camión, entraba por los sistemas de elevación, se desplazaba por cintas y llegaba al silo correspondiente. En 2003 el edificio quedó obsoleto, las nuevas formas de producción exigían nuevas necesidades y se desplazó la actividad de la empresa propietaria al Botlek y el edificio del Graansilo Maashaven se vendió en el ayuntamiento. El ayuntamiento adquirió la propiedad interesado en el solar, por su destacada localización. La primera idea del ayuntamiento era derribar el conjunto para hacer edificios de viviendas, pero el proyecto se desestimó ya que el coste de derribo del edificio era inalcanzable (19 millones euros). El edificio se puso en el mercado de alquiler y los empresarios del club Now & Wow lo alquilaron para cambiar su uso remarcando su valor histórico-cultural. Iniciaron la actividad como pódium cultural en 2004 en la planta baja y progresivamente se han ido abriendo otras partes del edificio para la celebración de eventos, coworking, discoteca, etc.
Desde el punto de vista urbanístico, el silo de cereales se encuentra en una ubicación muy interesante de la ciudad. Se encuentra sobre eje de Hofplein-Zuidplein, esta es la columna vertebral de la ciudad donde se encuentran muchas de las actividades más importantes. A través de este eje peatones, bicicletas y vehículos conectan con el centro de la ciudad al norte y Zuidplein el sur; además de ser el portal de conexión con las autopistas A15 y A29.
La buena conectividad del edificio hace de esta ubicación un lugar atractivo para cualquier negocio. El barrio de Rotterdam Zuid ha dejado de ser un barrio marginal para convertirse en un barrio vibrante en donde se han incorporado otros programas culturales y de ocio (Nieuwe Luxor Theatre, Ahoy, Fenix Food Factory, etc.) que ayudan generar actividad y mejorar Rotterdam Zuid. Estas actividades atraen nuevos públicos en los barrios de Zuid y favorecen la generación de nuevas actividades y negocios en la ciudad. Además, se está trabajando en el proyecto para el desarrollo urbanístico de la ciudad del Feyenoord, que significará un gran salto en la actividad y programación pública en el barrio.
En estos momentos el edificio juega un papel crucial en la definición del urbanismo del barrio del sur de la ciudad de Rotterdam. Juntamente con el edificio está en marcha una gran operación paisajística: el Getijdenpark (https://www.youtube.com/watch?v=ulqPfgYAwOI), que convierte las inmediaciones del edificio en un parque natural, lúdico y sostenible que dará mayor accesibilidad al edificio.
El Getijdenpark es un parque que se proyecta partiendo de la base de la subida y bajada de la marea. El parque inundable ofrece una diversidad ecológica y paisajística. Este parque se ha de proyectar, también, teniendo en cuenta las necesidades de amarre de las embarcaciones industriales que circulan por los canales del país y que forman parte de la estampa histórica de Rotterdam.
Alrededor del edificio actualmente hay muchas infraestructuras de movilidad que suponen fuertes barreras urbanas peatonales y una desconexión entre barriadas. Hay varios proyectos en desarrollo para mejorar esta situación. En un proceso llamado CityLab intenta conectar los diferentes agentes implicados en el proyecto y sus diversos intereses. Los habitantes de los barrios, los inversores, los propietarios de los barcos, artistas, las asociaciones, el ayuntamiento, etc.
El arquitecto mallorquín ha hecho un estudio de viabilidad para la construcción del proyecto de transformación de las cubiertas y su influencia sobre el resto del edificio y el barrio. En su diseño se recuperan las geometrías de hormigón ocultas de los silos, se utilizan como recurso formal para transformar la cubierta y las plantas superiores del edificio.
La cubierta del edificio Stok se transforma en una terraza multifuncional para eventos diversos y cabida para hasta 1.000 personas (conciertos, teatro, presentaciones de productos, eventos corporativos, bodas, seminarios, etc.), todo ello disfrutando de las vistas sobre la ciudad de Rotterdam. La terraza de eventos es continuada por el Skygarden, un jardín de 950 m² elevado 35 metros sobre el nivel de la calle, donde los usuarios pueden disfrutar de la diversidad de plantas que cambian estacionalmente. Esta terraza de eventos se completa con una grada polivalente que a modo de gran escalinata conecta la planta 7 del edificio Stok (The Creative Factory) con la planta 10 del edificio Brinkman & de Vlugt (club Now & Wow). Estas partes del edificio antes inconexas ahora quedarán perfectamente conectadas, generando así un amplio abanico de posibles actividades.
El proyecto se completa con la Energy farm, 3.300 m² de cubierta verde que generan un aislamiento natural para el edificio y sirve como una alfombra fría para la gran instalación de paneles solares. Esta cubierta genera suficiente electricidad como para satisfacer la demanda de electricidad del edificio en caso de actividad normal y, además, se reactiva el silo inactivo desde la década de 1980. Se reabre el espacio vacante de los silos para instalar las baterías que acumulan la energía generada por los paneles solares. También se utilizan los silos para acumular agua de las tormentas, de esta manera se colabora para evitar la saturación del sistema de alcantarillado de la ciudad de Rotterdam con las abundantes lluvias del clima holandés.
El jurado del concurso destacó del proyecto el sistema de cogeneración de energía que incorpora en el edificio histórico de manera natural. Se combina aislamiento térmico natural, producción fotovoltaica y energía hidráulica poniendo en valor partes sin uso del edificio.
Con esta transformación de las cubiertas se prepara el edificio para la transición energética necesaria para combatir el cambio climático y se dota al barrio de una amplia variedad de nuevos programas. Este tipo de operación urbanística, donde se pone en valor de forma sostenible un edificio histórico y se le da unos nuevos usos culturales y sociales para mejorar el barrio y la ciudad, sirve de contraposición al efecto Guggenheim que muchas ciudades en todo de Europa practicaron durante la pasada burbuja inmobiliaria y con los años se ha demostrado caro y poco efectivo.
Marta Companys, arquitecta. Corresponsal del COAC en Gouda, Holanda. Noviembre 2019
Con la colaboración de: Joan Alomar
Un museo para una sola pieza en Croacia
En el año 1996, un turista belga buceando en el mar Adriático, a una profundidad de 45 m, descubre por casualidad una escultura y alerta a las autoridades de su hallazgo. En ese momento se inicia la historia del Museo del Apoxiómeno en la isla de Mali Lošinj, Croacia.
El Ministerio de cultura de Croacia decide crear un museo en un palacio del siglo XIX con una única pieza: una escultura griega en bronce, de 192 cm de altura, en un asombroso estado de conservación y prácticamente completa.
El bronce griego que reposaba más de 2000 años en el fondo del mar representa uno de los temas escultóricos favoritos en la Antigua Grecia: un joven atleta de entre 20 y 25 años en el momento de limpiarse con un raspador el sudor, la arena y los aceites de su piel tras haberse ejercitado.
La pieza fue realizada, con toda seguridad, en una fundición griega entre el siglo II y I A.C. como réplica de un original del siglo IV A.C. y probablemente estaba siendo transportada por una nave mercante romana antes de acabar, por razones desconocidas, en el fondo limoso.
En 1999 se procede a su extracción y se observa que está en un asombroso estado de conservación y prácticamente completa, a excepción del dedo meñique de la mano izquierda, conservando incluso el plinto original. Considerada como una de las mejor conservadas esculturas griegas de bronce en el mundo, después de siete años de un complejo proceso de restauración y conservación, se expone en museos como el Louvre, el Museo Británico, el J. Paul Getty de Los Ángeles.
Tras un intenso debate sobre su paradero final, de acuerdo con la política cultural del país, que prioriza la dispersión de museos fuera de grandes ciudades, las autoridades deciden que esta magnífica pieza debe quedarse cerca del lugar donde había sido hallada.
En la zona urbana de Lošinj, protegida es su conjunto como zona patrimonial, no hay sitio para obra nueva, por lo que se opta por la reconstrucción de un edificio existente para albergar la escultura.
El palacio Kvarner, de la segunda mitad del siglo XIX, está ubicado en la parte central de un largo paseo marítimo. Inicialmente fue un café y sala de baile, más tarde, tuvo uso de tienda. El interior del palacio carece de importancia, pero los conservadores encargados no dejan tocar ninguna de las fachadas del edificio.
De este hecho proviene la primera particularidad del proyecto, realizado por Randić i Turato tras erigirse ganadores en un concurso por invitación. Uno de los hallazgos más importantes a nivel mundial debe ser albergado dentro de un edificio muy común, cuyas fachadas no se pueden tocar, mientras que en el diseño del interior disponían de total libertad.
Además, los restauradores (Instituto de restauración de Croacia) exigen construir una cámara que permita mantener unas condiciones micro climáticas muy exigentes y diseñan el concepto expositivo centrado en esta única pieza.
El proyecto realizado en 2015 se puede resumir como un volumen insertado dentro de la envolvente del palacio: una cápsula metálica con aires de construcción naval que levita sobre la planta baja sin llegar a tocar el perímetro construido preexistente.
La planta baja recibe al visitante con un color azul intenso que evoca una atmósfera marina, un espacio concebido como la extensión del paseo marítimo dentro del museo. El programa expositivo se sitúa en el interior de la cápsula con una superficie total de 190 m2, mientras que los espacios auxiliares y administrativos se ubican en la zona intersticial entre la capsula y los muros perimetrales preexistentes.
La sala con la escultura forma el núcleo del edificio, alrededor del cual gravitan en un movimiento lineal e in crescendo una serie de ambientes que presentan museográficamente varias capas de interpretación de la pieza, dejándola ver solo parcialmente y desde diferentes puntos de vista.
Dicho tránsito espacial y temporal va preparando al visitante, mediante una sucesión de espacios de carácter informativo – didáctico con ambientes totalmente diferenciados: Una primera sala con paneles expositivos nos explica el descubrimiento y ubica el bronce en su contexto de origen, un espacio escalonado cubierto completamente por una alfombra policromada acoge una proyección sobre la extracción y los procesos de restauración, la sala del periscopio, aparte de presentar el impacto mediático que tuvo el hallazgo, ofrece el primer contacto visual con la escultura a través de una escotilla en el techo. Pasando por una escalera quebradiza totalmente revestida con madera de olivo, desembarcamos en una cámara completamente blanca de unos 30 m2, casi inmaterial, que permite observar la impresionante pieza en su máxima expresión, sin ningún tipo de interferencia ya que toda la preparación intelectual de carácter narrativo y educativo ha sido llevada a cabo en los espacios anteriores.
El viaje termina en el bajo cubierta, donde una ventana horizontal por encima del nivel de la fachada original del palacio (la única intervención en la fachada), nos devuelve a la realidad, contemplando la hermosa bahía de Mali Losinj. Se ha producido una magia espacio-temporal que vale la pena experimentar.
Desde la apertura del museo, el joven atleta ha pasado a formar parte del imaginario siendo un elemento indiscutible de la identidad local.
Javier Luri, arquitecto, corresponsal del COAC en Zagreb, Croacia