Identitat cultural i ciutat al nou escorxador de Porto
Aquest projecte visionari fet per ODAA amb Kengo Kuma consisteix en la reconversió d'un antic escorxador industrial a Porto en un dinàmic centre cultural, social i comercial, destinat a revitalitzar un espai degradat i en desús. La intervenció que abasta un total de 22.000 metres quadrats té com a objectiu transformar aquest patrimoni arquitectònic industrial en un epicentre d’activitat, on la creativitat i la vida urbana es puguin unir de manera harmònica. En tota aquesta transformació es respecta la integritat de les construccions originals donant-li un toc d’equilibri, tradició i modernitat.
Al projecte hi ha el concepte de transculturalitat i el coneixement on els objectes artístics són el mapa de la vida humana dins el qual el Museu de les Convergències ens convidarà a submergir-nos. El titular de la Col·lecció Távora, Sequeira Pinto, reforça la idea de «millors museus, millors persones, un món millor».
En el debat on l'Executiu del govern va aprovar per unanimitat el préstec de la col·lecció i la creació del Museu de les Convergències a l'espai de l'antic Escorxador Municipal, a Campanhã. Álvaro Sequeira Pinto, va afirmar que «obrirà la col·lecció a nous diàlegs, la posarà a disposició del públic per al seu gaudi i servei, i la presentarà obertament al món i la ciència».
Cal destacar que, fins ara, la col·lecció mai no s'ha exhibit en la seva totalitat. Considerada, al panorama nacional, com a "única en el seu abast i idiosincràsia", consta de 1.800 peces d'escultura, mobiliari, cartografia, dibuix, pintura, tèxtils, joieria i argenteria, porcellana i pisa. La col·lecció se centra especialment en l'expansió portuguesa del segle XVII cap a l'Orient, abastant també altres àrees geogràfiques, com Amèrica, destacant també grups d'art europeu antic, tardo medieval, primitiu i renaixentista”.
Álvaro Sequeira Pinto reconeix la naturalesa “principalment emocional” del col·leccionisme. Creu que el col·leccionisme "es racionalitza amb les ciències que li donen consistència i organització i que són fonamentals per a ell, especialment en els espais museístics i públics, cosa que passarà amb aquest pas fundacional del Museu das Convergências". Defensant l'educació a través de l'art, que és una de les funcions fonamentals dels museus, el col·leccionista creu que el conjunt de peces que s'exhibirà a Matadouro ajudarà les persones a conèixer-se millor a elles mateixes. En paraules d'Álvaro Sequeira Pinto, "des de Porto, el Museu de la Convergència serà un museu d'art dedicat a l'estudi i l'exhibició de béns culturals i artístics relacionats amb els processos de transculturalitat de l'art i les històries de l'art connectades com a resultat de la mobilitat humana i la transferència de coneixement entre cultures". El Museu de la Convergència obrirà les portes a principis del 2026, “és un museu amb vocació global, que se centra en les transformacions derivades dels processos de transferència i circulació de l'art, la cultura, el coneixement i la ciència, i la seva rellevància en la construcció del món modern i en el context de les societats actuals”, afegeix.
Durant el debat, l'alcalde va assegurar que no hi ha hagut grans retards a les obres, convençut que Mota Engil complirà amb les expectatives i que la part de l'immoble que gestionarà l'ajuntament s'entregarà ben aviat.
El programa d'intervenció per a l'antic escorxador preveu la reconversió completa del complex industrial, preservant-ne la memòria històrica i el caràcter arquitectònic. Es conservaran els 11 edificis independents, i la connexió entre els espais interiors i exteriors de les oficines es farà mitjançant zones enjardinades. En total, dels 26.000 metres quadrats del terreny, el projecte mantindrà uns 20.500 metres quadrats, dels quals aproximadament el 60% (12.500) es destinaran a locals comercials i el 40% (gairebé 8.000) seran gestionats per l'Ajuntament de Porto.
L'àrea gestionada per Mota-Engil acollirà principalment oficines i una zona de restaurant i cafeteria. «Tenim nombroses empreses interessades i nombrosos llogaters potencials», va declarar Carlos Mota Santos, president de la constructora. Les oficines tindran capacitat per a entre 1200 i 1600 persones al dia.
La complexitat urbanística de la ciutat de Porto té davant un gran repte que cerca l'equilibri entre la part del litoral i la de l'interior, entre occident i orient. El projecte no només revitalitza un espai en desús, sinó que també estableix un diàleg entre el passat industrial de Porto i el seu futur creatiu i cultural. Una nova porta a la ciutat està per néixer.
Alberto Collet, arquitecte corresponsal de porto, Portugal. Juliol 2025
Casas serranas de León Dourge en las Sierras de Córdoba, Argentina
León Dourge (París, 1890 – Buenos Aires, 1969) fue un arquitecto francés egresado de laÉcoleNationale des ArtsDecoratifsque residió y ejerció su profesión en Argentina. Su prolífera obra muestra su capacidad profesional y su adaptación a requerimientos, emplazamientos y funcionamientos tan diversos como los encargos que tuvo.En sus proyectos y edificios,que se extienden por varios sitios del territorio argentino,recurre a distintos movimientoscomo el academicismo, el pintoresquismo y el racionalismo.
Particularmente en este artículo nos interesaanalizar sus “Casas Serranas”construidas en la primeramitad del siglo XX, entre los años 1920 y 1930,en la localidad de La Cumbre, en las Sierras de Córdoba, Argentina.
Dourge recibió el encargo para construir una serie de casas de recreo, descanso, ocio y esparcimiento. En estos proyectos el arquitecto logra una integración armónica con el entorno. Los grandes espacios abiertos entre cada construcción le permitieron incluir la naturaleza como parte de la obra, einclusive las vistas desde cada ventana estaban pensadas para integrar el paisaje a la obra y crear una serie con particular identidad y unidad.
En un artículo de 1930Dourgeexpresabasobre estos proyectos:
“En la región cordobesa [las casas] son más sencillas, por lo tanto, más naturales, el arquitecto puede así proyectar con toda libertad y casi puede decirse a la manera de un pintor. En lugar de hacer composiciones arquitectónicas, busca de hacer paisaje, compone a su gusto una silueta que forme parte del lugar donde va ubicada, realiza la unión de la edificación con la naturaleza”.
“Se comprende que frente a cuadros tan estupendos el deber del arquitecto es sacar partido de esa situación privilegiada, distribuyendo su casa a propósito para el lugar que va a ocupar y evitando repetir algo ya hecho en otra parte”.
“Los panoramas que se disfrutan en las sierras son grandiosos o pintorescos y de lo más variados. En cada orientación la vista es diferente: hay allí toda una gama de colores”.
La geografía le resultaba favorable para complementarse como una parte más de la obra. El paisaje serrano le recordaba a España en general y a Andalucía en particular, y por ello para estas obrasDourge optó por un estilo pintoresquista español, que lo extiende hasta los nombres elegidos para las casas, Granada, Toledo, Sevilla, El Paraíso y La Gitanilla, que fuera su propia casa.
“No repetirse no quiere decir cambiar fundamentalmente de estilo. Es una particularidad de nuestra época en completa decadencia artística, esa manía de hacer algo diferente a los demás; vivimos así en un laberinto de estilos disparatados. Si admiramos tanto a los pueblitos de Europa, que sea en Italia, España, Inglaterra o Francia, es porque tienen unidad de estilo”.
La serie de las “Casas Serranas” fue pensada para ese lugar y allí reside la singularidad y belleza de estas casas. A medida que se viven, recorren y descubren inducen al encanto, al descanso, a la contemplación de variadas visuales, a recorridos de jardines por senderos serpenteantes, al disfrute del paisaje, etc.
La contextualización de sudiseño, los materiales utilizados yla calidad de la ejecuciónen esta serie de casas ha permitido su vigenciatras más de un siglo ysu adaptación a nuevos usos como hoteles, museos, etc. Podemos concluir que las casas serranas son un claro ejemplo de arquitectura sostenible.
Bibiana Scirotino, arquitecta. Corresponsal del COAC en Córdoba, Argentina. Mayo 2025
Bibliografía:
Dourge, León. «Casas Serranas». Revista Nuestra Arquitectura, septiembre 1930, pp. 561-570.
Cases serranes de León Dourge a les Serres de Córdoba, Argentina
León Dourge (París, 1890 – Buenos Aires, 1969) va ser un arquitecte francès egressat de l'École Nationale des Arts Decoratifs que va residir i va exercir la seva professió a Argentina. La seva obra prolífera mostra la seva capacitat professional i la seva adaptació a requeriments, emplaçaments i funcionaments tan diversos com els encàrrecs que va tenir. Als seus projectes i edificis, que s'estenen per diversos llocs del territori argentí, recorre a diferents movimentscom l'academicisme, el pintoresquisme i el racionalisme. Particularment en aquest article ens interessa analitzar les seves “Cases Serranes” construïdes a la primera meitat del segle XX, entre els anys 1920 i 1930, a la localitat de La Cimera, a les Serres de Córdoba, Argentina. Dourge va rebre l'encàrrec per construir una sèrie de cases d'esbarjo, descans, lleure i esbarjo. En aquests projectes, l'arquitecte aconsegueix una integració harmònica amb l'entorn. Els grans espais oberts entre cada construcció li van permetre incloure la natura com a part de l'obra, i fins i tot les vistes des de cada finestra estaven pensades per integrar el paisatge a l'obra i crear una sèrie amb identitat i unitat particulars.
En un article de 1930 Dourge expressava sobre aquests projectes:
"A la regió cordobesa [les cases] són més senzilles, per tant, més naturals, l'arquitecte pot així projectar amb tota llibertat i gairebé es pot dir a la manera d'un pintor. En lloc de fer composicions arquitectòniques, busca fer paisatge, compon al seu gust una silueta que formi part del lloc on va ubicada, realitza la unió de l'edificació".
"Es comprèn que davant de quadres tan fantàstics el deure de l'arquitecte és treure partit d'aquesta situació privilegiada, distribuint casa seva a propòsit per al lloc que ocuparà i evitant repetir alguna cosa ja feta en una altra part".
"Els panorames que es gaudeixen a les serres són grandiosos o pintorescos i molt variats. En cada orientació la vista és diferent: hi ha tota una gamma de colors".
La geografia resultava favorable per complementar-se com una part més de l'obra. El paisatge serrà li recordava Espanya en general i Andalusia en particular, i per això per a aquestes obres Dourge va optar per un estil pintoresquista espanyol, que l'estén fins als noms elegits per a les cases, Granada, Toledo, Sevilla, el Paradís i la Gitanilla, que fos casa seva.
"No repetir-se no vol dir canviar fonamentalment d'estil. És una particularitat de la nostra època en completa decadència artística, aquesta mania de fer alguna cosa diferent dels altres; vivim així en un laberint d'estils esbojarrats. Si admirem tant els pobles d'Europa, que sigui a Itàlia, Espanya, Anglaterra o França, és perquè tenen unitat d'estil".
La sèrie de les “Cases Serranas” va ser pensada per a aquest lloc i allí resideix la singularitat i bellesa d'aquestes cases. A mesura que es viuen, recorren i descobreixen indueixen a l'encant, al descans, a la contemplació de variades visuals, a recorreguts de jardins per senders serpentejants, al gaudi del paisatge, etc.
La contextualització del disseny, els materials utilitzats i la qualitat de l'execució en aquesta sèrie de cases n'ha permès la vigència després d'un segle i l'adaptació a nous usos com ara hotels, museus, etc. Podem concloure que les cases serranes són un exemple clar d'arquitectura sostenible.
Bibiana Sciortino, arquitecta. Corresponsal del COAC a Córdoba, Argentina. Maig 2025
Bibliografia:
Dourge, León. «Casas Serranas». Revista Nuestra Arquitectura, septiembre 1930, pp. 561-570.
Revista de corresponsales: Perspectiva desde Australia: Del jardín interior al cosmos; una arquitectura con lenguaje propio
Dado que llevo cerca de una década que ejerzo como corresponsal del COAC en Sídney, Australia, y coincidiendo con la finalización de un proyecto que el año pasado fue reconocido con varios premios y publicaciones internacionales, he aprovechado esta ocasión para compartir algunas reflexiones en torno al proceso de pensamiento que me acompaña como arquitecto inmigrante con una mirada.
Este artículo no es sólo una descripción de un proyecto, sino un intento de explicar cómo se construye un lenguaje propio a partir de la experiencia, la distancia y la voluntad de experimentar con las tipologías, materiales e ideas. Desde el jardín interior de una casa adosada hasta la inmensidad conceptual del espacio exterior, cada proyecto es una oportunidad para repensar cómo vivimos, qué vemos y cómo queremos habitar el futuro
El jardín como espacio de expresión doméstica
Cuando empecé a diseñar Terrace House Mirage, no sólo quería crear una casa singular en un entorno homogéneo. Mi ambición era proponer una revisión tipológica de un modelo urbano repetido en todo el mundo: la casa adosada.
Este tipo de vivienda crece por repetición. Esto significa que, una vez identificados los problemas comunes, las soluciones también pueden ser compartidas. El proyecto propone varios ajustes tipológicos que pueden ser adaptados a contextos muy distintos.
Uno de estos ajustes es la eliminación de ángulos para potenciar la percepción del espacio. En este sentido, los espejos elevados, inspirados parcialmente en el American Bar de Adolf Loos, contribuyen a abrir visualmente los interiores.
Otro gesto fue fusionar la cocina y el comedor mediante una invisible placa de inducción, que permite cocinar sin calentar la superficie. Este sistema maximiza la eficiencia en viviendas pequeñas y promueve una convivencia más fluida.
Y por último, el rediseño de la planta baja como un jardín habitable: un patio completamente operable que, en climas cálidos, permite que la casa se abra completamente, ofreciendo una experiencia de outdoorliving inédita en este tipo de vivienda.
Pero ¿cómo podríamos adaptar esta propuesta a climas más fríos y lluviosos, como por ejemplo el del Reino Unido? Quizás habría que mirar hacia los invernaderos tradicionales. Estas estructuras podrían permitir que el jardín se viva como una extensión del interior, o que un espacio mínimo se transforme en un rincón de aire libre habitable.
Aunque me interesa mucho la arquitectura, a menudo me nutro de disciplinas menos condicionadas por presupuestos o por las exigencias de la obra construida. Un escenario de cine, una instalación artística, un traje… La moda, por ejemplo, es una industria altamente creativa. Y todo esto puede traducirse a la arquitectura si tienes el conocimiento técnico —o el deseo de adquirirlo.
Cada proyecto, en lugar de ser una repetición, se convierte en una nueva travesía de aprendizaje cuando se piensa de ese modo.
Conócete y prepárate para estar solo. Empezar un estudio puede ser una experiencia profundamente solitaria. Terrace House Mirage se gestó en su casa, durante el confinamiento, con un solo ordenador.
Cree en ti mismo y diviértete. Si yo hice este proyecto con un ordenador, tú también puedes.
Miradas múltiples en un mundo uniformizado
El lenguaje arquitectónico también se forma observando el mundo. Vivimos en una era de hiperconexión, pero esa conexión no siempre genera culturas locales. Por el contrario, tiende a borrar matices.
El resultado es una especie de aburrimiento estético global. Todo el mundo ve las mismas cosas, consulta los mismos referentes, repite los mismos códigos visuales.
The Grid parte de una preocupación por el espacio exterior: el control, la vigilancia, la contaminación orbital. El sector espacial prevé multiplicar por cinco el número de satélites en la próxima década. ¿Qué consecuencias tiene esto?
El proyecto no da respuestas claras, pero abre preguntas a través del espacio: combinas referentes de la ciencia ficción, elementos visuales inspirados en la ingravidez y una materialidad que juega con la percepción. Es una arquitectura que puede leerse en capas, como una pieza musical donde cada nueva escucha revela un detalle oculto.
Debido a este enfoque tan intencional, no puedo diseñar muchos proyectos a la vez. Priorizo la calidad, y busco siempre un reto nuevo. Ahora que The Grid ya está terminado, no sé cuál será mi próximo proyecto. Me gustaría diseñar una galería de arte, un pabellón público, un teatro... o tal vez una discoteca. Un sitio compartido, abierto a la experiencia colectiva.
Y entonces habría que hacerse otra pregunta: ¿cómo podemos hacerlo de forma sostenible? ¿Podríamos reinterpretar el espíritu de los invernaderos con materiales más resistentes, más asequibles o eficientes? De ese camino puede nacer un detalle constructivo tan funcional como poético.
El lenguaje propio del riesgo y la intuición
Tomar riesgos no debería ser la excepción en el diseño, sino la norma. No por frivolidad, sino porque el placer de experimentar forma parte esencial del proceso de creación.
Diseñar es un acto de amor. Hay que amar lo que haces, porque paradójicamente, hay mucho sufrimiento en el proceso creativo. Todo lo que necesitas es más amor y perseverancia. Hay que escucharse, confiar en la propia intuición, pero también saber escuchar las críticas: algunas te harán dudar, pero otras pueden llevarte a lugares mejores.
En los años sesenta, Superstudio ya advertía de esa tendencia con su “ContinuousMonument”. Esa crítica a la ciudad homogénea está ahora más vigente que nunca, trasladada al plan digital.
Por eso creo que hay que mirar hacia atrás. La historia nos habla con una riqueza cultural y formal infinita. Más allá de nuestro siglo, encontramos lenguajes diversos que esperan ser redescubiertos y reinterpretados.
Siempre me ha fascinado cómo las lenguas y las culturas ofrecen formas diferentes de entender el mundo. No existe una única cultura “correcta”, sino una convivencia de visiones en diálogo constante.
¿Sabías que la palabra tomate proviene del náhuatl tomatl? Este fruto, cultivado por los aztecas, es hoy universal. Como las ideas: viajan, se transforman y enriquecen.
Hacia el cosmos: arquitectura para pensar el mundo
Este lenguaje propio también puede expandirse hacia lo inesperado. Mi proyecto más reciente, The Grid, es una oficina para una empresa de satélites. A primera vista, nada tiene que ver con Terrace House Mirage. Pero comparten una misma actitud: mirar más allá del programa.
Durante mucho tiempo me preocupaba definir mi estilo. Ahora sé que no es cuestión de estética, sino de práctica. Mi “estilo” es la forma en que me acerco a cada proyecto: como si fuera un lenguaje.
Victor Olivar Alcami, arquitecto. Corresponsal del COAC en Sídney, Australia. Mayo 2025
Epílogo: inspiraciones que no son arquitectura
Las ideas no siempre vienen de donde las esperas. Os dejo algunas inspiraciones:
Maggot Brain de Funkadelic (de hecho, suena mientras escribo estas líneas)
La luz que cambia al amanecer, y cómo transforma la percepción del espacio
Desiderata, de Max Ehrmann
Octatrack de Elektron, una herramienta para componer capas sonoras
Stanley Kubrick, por su mirada visionaria
Joseph Walsh, por un mobiliario escultórico y casi imposible